Kimberly Marie Olivier y Sean Bennett en 'Swimmer' de Yuri Possokhov. Foto de Erik Tomasson. 4-24 de marzo de 2021.
Accesible a través de www.sfballet.org/sf-ballet-home .
Casi todos los artistas de la danza tienen la experiencia de una danza. De Verdad convirtiéndose en lo que es en la “semana de la tecnología”, cuando las luces, las proyecciones, el vestuario y la música resuenan en un espacio de actuación realmente hacen que una obra cobre vida. Las opciones de color y forma pueden mejorar el significado y la experiencia de ver una obra, o pueden generar distracción y confusión. La estética de una obra de danza puede crear una atmósfera que atraiga a los espectadores o simplemente discordante. San Francisco Ballet El programa digital 03, en su programa virtual SF Ballet @ Home, ilustró el poder y la importancia de crear una estética y una atmósfera claras. El programa contó con dos actuaciones pre-COVID, filmadas en el War Memorial Opera House en San Francisco y el estreno de una película.
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Alexei Ratmansky Sinfonía # 9 , que el San Francisco Ballet bailó por primera vez en abril de 2014, abrió el programa. Virtuosismo y dinamismo llenaron el aire desde la primera nota y paso. Una sólida partitura instrumental (de Dmitri Shostakovich) impulsó pequeños saltos, extensiones y giros rápidos. Todo era bastante neoclásico, pero con florituras gestuales de jazz, emblemático de una apertura 'posmoderna' a la inspiración de otras formas de danza. El telón de fondo de azul descolorido (de George Tsypin) y trajes aterciopelados, en tonos aparentemente inspirados en los colores de un bosque (de Keso Dekker), ataba un envoltorio moderno alrededor del presente del movimiento neoclásico. En un sentido de Balanch, incluso cuando surgieron las dinámicas sociales, no hubo narrativa en juego excepto por la unión de música y movimiento.
Ballet de San Francisco en la 'Sinfonía n. ° 9' de Alexei Ratmansky. Foto de Erik Tomasson.
Un cambio drástico en el tempo, a algo mucho más adagio y misterioso, trajo un movimiento más arraigado, exploratorio que bullicioso. Un pas de deux en esta sección tuvo elevaciones complejas pero también momentos de giro simple con un port de bras claro y una pausa pesada. Los miembros del cuerpo se lanzaron a través de las alas, port de bras recordando nadar en el aire, que cambiaron a passés antes de que sus compañeros se unieran a ellos para un levantamiento.
Al igual que el simple giro y port de bras del pas de deux anterior, era un motivo claro, uno que generaba una sensación de continuidad y circularidad. Puede que no haya habido una 'narrativa' per-se a la mano, sin embargo, los miembros de la audiencia en general podrían identificarse con una sensación de avanzar con aparente calma y compostura, pero permaneciendo en el mismo lugar una vez más, con un aire de algo que no estaba del todo bien persistió. Nuestra imaginación podría crear nuestras propias narrativas dentro de estas estructuras. Esa puede ser la parte divertida y significativa.
A mitad de camino, las luces se apagaron y dos bailarines (una bailarina y un bailarín) se derritieron lentamente en el suelo hasta que se acostaron de espaldas. Un telón de fondo de siluetas de personas sosteniendo banderas rojas fue visible cuando las luces volvieron a encenderse. No entendí completamente esta elección creativa y preferí las posibilidades abiertas del fondo azul descolorido visto antes en la pieza.
Dado que las personas de los dibujos parecían encajar en el modelo de personas 'respetables y acomodadas' de la sociedad, tal vez se trataba de un comentario sobre la conformidad y la vida que se le prescribió. La sensación de volver al mismo lugar nuevamente se alinearía con ese tema. ¡También puede ser divertido para nuestra imaginación conjeturar posibilidades dentro de elecciones creativas que no entendemos del todo! Sin embargo, el movimiento se mantuvo efervescente y emocionante, con excelentes actuaciones de los artistas de primer nivel del San Francisco Ballet.
La energía creció hacia el final, recuperando motivos con un ritmo más rápido y al mismo tiempo añadiendo nuevos ingredientes a la mezcla. Cuando se apagaron las luces, el cuerpo saltó fuera del escenario y un único bailarín permaneció en el centro del escenario (Wei Wang), saltando alto y girando rápido. Como una elección muy intrigante, esto pareció centrar la atención nuevamente en la experiencia individual. Este final podría interpretarse como una afirmación de que a eso se reduce: a cómo cada uno de nosotros experimenta el mundo individualmente. A falta de análisis más profundos, todo fue agradable de experimentar.
Ballet de San Francisco en 'Wooden Dimes'. Foto cortesía del Ballet de San Francisco.
Dimes de madera era el programa estreno mundial de la película . Christopher Dennis se desempeñó como productor ejecutivo, Lindsay Gauthier como editor y Heath Orchard como director de fotografía.
El elenco en cualquier momento en particular no parecía muy grande, por lo que es concebible que los bailarines filmaran desenmascarados en 'pods' (como lo ha estado haciendo el cine y la televisión durante varios meses). Abriendo con showgirls en su camerino, tuvo un claro y convincente Atmósfera de la década de 1920 . La emoción y la camaradería llenaron el aire. Entró un hombre (Luke Ingham), lo que llevó a un pas de deux elegante y apasionado con una de las bailarinas (Sarah Van Patten), que se estaba convirtiendo en un personaje central.
El movimiento fue en gran parte clásico, pero las inflexiones de jazz rindieron homenaje al contexto en cuestión. La siguiente escena mostraba al personaje de Ingham aparentemente en el trabajo, golpeando y exclamando con su cuerpo. Hombres con escudos de contadores lo rodeaban, como si cumplieran sus órdenes, ¿o le estaban exigiendo cosas? Cambiando de perspectiva desde allí, las coristas actuaron con alegría. El personaje de Van Patten se diferenciaba con rayas negras en su vestido blanco, mientras que todos los demás bailarines vestían todo de blanco (diseño de vestuario de Emma Kingsbury). Todas las escenas parecían haber sido filmadas en el escenario de un gran teatro, las líneas entre las piezas de Marley eran visibles. Esa elección trajo una sensación espartana que apoyó el trabajo en general (diseño de propiedades escénicas de Alexander V. Nichols, diseño de iluminación de Jim French y Matthew Stoupe).
El personaje de Van Patten bailaba con una pareja misteriosa (Madison Keesler y Nathaniel Ramirez). Siguió un pas de deux de bailarines en rojo y negro, con una iluminación más baja y la partitura cada vez más grave y aguda en tono. Esta pareja parecía tentar al primer hombre que conocimos, el primero con el que nuestro personaje principal había bailado, con algo siniestro. Tiraron de él y manipularon su cuerpo. Las líneas entre la imaginación y la realidad parecían completamente borrosas. Una estética cohesiva, combinada con una coreografía inteligente, hizo que esta narrativa fuera clara pero también flexiblemente abierta a la interpretación. Nuestra heroína volvió a bailar a continuación, su vestido esta vez con rayas de colores. Parecía alegre, aunque pensativa. ¡Algo había cambiado!
Ella bailó con aliento y expansión, un arabesco sostenido por solo media respiración más que tiene el potencial de emocionar y vigorizar. Una vez más vistiendo un vestido de muchos patrones (cambiarse a lo que parecía significar una especie de transición), el personaje de Ingham regresó. Se entrelazaron, compartieron peso: ¿fue esto una redención? Bailaron juntos de nuevo con pasión y gracia, tal como lo habían hecho antes, pero una nueva resonancia llenó el aire entre ellos. Los desafíos a los vínculos entre nosotros pueden dar a esos vínculos nuevas vibraciones, para bien o para mal.
Todo quedó en silencio hacia el final, y todo lo que se escuchó fue el sonido del aliento de la heroína. Las luces se apagaron lentamente. Muchos finales de obras de danza se sienten apresurados, sin que el residuo del peso emocional de lo que acaba de suceder tenga tiempo para demorarse. No es así con este final. De acuerdo con la sensación de una película de antaño, 'The End' apareció en la pantalla. Ese residuo permaneció en mí, junto con muchas preguntas, con arte, a menudo más significativo que tener respuestas.
Joseph Walsh en 'Swimmer' de Yuri Possokhov. Foto de Erik Tomasson.
Nadador , estrenada en el War Memorial Opera Stage en abril de 2015, fue una exploración visual con Busby Berkeley-esque imágenes surrealistas. Yuri Possokhov coreografió el trabajo. El diseño escénico fue de Alexander V. Nichols y el diseño de video de Kate Duhamel. Desde el día laboral de 9 a 5 hasta la recreación junto a la piscina, el movimiento se transmitió reflexionando sobre la oficina, nadar libremente y coquetear junto a la piscina.
Proyecciones en movimiento se arremolinaban detrás de los bailarines en todas partes, algo que se ve con mucha más frecuencia en la danza contemporánea que en el ballet. Fue un dulce visual satisfactorio, pero un dulce con un sabor inesperado que no puedes ubicar. “El nadador” (Joseph Walsh), mientras tanto, encarnaba el movimiento libre a través del agua y el aire. Tenía un globo y una musicalidad encantadores, alcanzando con energía que viajaba mucho más allá de sus extremidades pero también con un centro de energía claro y poderoso.
Más allá de él, florece para la caracterización y para transmitir una acción específica en el cuerpo avivó una base clásica clara y sólida del movimiento. Una sección de pas de deux, aparentemente en un contexto de reunión para tomar una copa en un bar, se sentía un poco fuera de lugar estructuralmente, pero estaba hermosamente coreografiada y bailada. La tensión y la pasión fueron claras a través de la dinámica de empujar / tirar y la expansividad en el movimiento.
Una sección posterior de la obra, con un gran cuerpo de bailarines, tenía múltiples posibilidades de significado: ¿la turbulencia del envejecimiento, una tormenta (dentro del tema náutico más amplio en cuestión en la obra) o algo más? Cualquiera que sea el significado, los levantamientos atléticos y los saltos poderosos fueron estimulantes. 'El Nadador' sostuvo sus brazos sobre su pecho, como si temblara, pero pronto bailó grande y audaz de nuevo. Los impresionantes efectos de iluminación lo hacían parecer como si nadara profundo, yuxtaponiendo proyecciones de un hombre nadando en medio de olas feroces.
El telón cayó mientras eso continuaba, ¡ciertamente un final sin fin! Uno podría imaginar diferentes posibilidades para lo que podría suceder a continuación, pero lo que se sintió más significativo con este trabajo fue la posibilidad visual y el poder puro dentro del cuerpo humano. Si bien algunos aspectos del trabajo no parecían claros, lo que entregó fue un verdadero placer para los ojos y un potencial narrativo para que el cerebro lo mordiera. A veces, la experimentación audaz puede tener el costo de la claridad en la creación de arte. El arte no puede avanzar sin esa experimentación audaz, que así sea, dice este crítico. Brava al Ballet de San Francisco por arriesgarse y recordarle al público cuántas posibilidades creativas hay para tomar, pandemia global o no.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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