Hee Seo en 'Garden Blue' de Jessica Lang. Foto de Rosalie O'Connor. Teatro David H. Koch, Nueva York, NY.
23 de octubre de 2019.
Moverse, amar, comer, dormir: hay acciones que siempre han sido fundamentales para el ser humano. Todos los hacemos de diferentes maneras, sin embargo, y lo hemos hecho a lo largo de los siglos. La danza, visceral, narrativa o no narrativa, infinitamente adaptable estéticamente, puede poner un espejo a estas experiencias para que podamos dar un paso atrás y verlas de verdad. American Ballet Theatre (ABT) presentó obras de tres coreógrafos diferentes en este programa, todos exhibiendo un punto de vista diferente sobre esos aspectos fundamentales del ser humano, desde diferentes lugares en la línea de tiempo humana, todos en movimiento. El resultado fue estética y conceptualmente significativo, tanto estimulante como agradable.
Adán baila
James B. Whiteside Nuevo romance americano estaba lleno de alegría, alegría y armonía estética. Whiteside es un director de ABT que comienza a construir un portafolio coreográfico y una voz única. La obra se estrenó por primera vez en el Vail Dance Festival 2019 (Vail, CO). Había algo bastante moderno en su sensibilidad, pero también algo bastante clásico. El equilibrio entre los dos hablaba de avanzar en el mundo, pero también de aferrarnos a las verdades fundamentales del mundo y a nosotros mismos en él (individualmente y en las relaciones entre nosotros).
ABT en 'New American Romance' de James B. Whiteside. Foto de Rosalie O'Connor.
Se levantó el telón y una paleta de colores lavanda y azul me hizo sentir inmediatamente más tranquila y contemplativa. El grupo creció a medida que los bailarines subían al escenario, hasta que llegaron a una formación con bailarines mirando hacia adelante y mirando fijamente hacia adelante. Levantaron los brazos a la quinta en haut: sencillos, claros, decididos. El grupo se disolvió, un pas de deux tomando el centro del escenario. Una hermosa armonía de música y movimiento se desarrolló, como una elegante extensión de una pierna delantera hacia adelante en un ascensor mientras la nota musical se desenredaba.
Otras secciones iban y venían, a veces sintiendo que lo hicieron un poco rápido para mí, a veces demorarme en una sección un poco más puede permitir que su energía se acumule y que el público lo conozca y lo saboree un poco más. Sin embargo, este cambio rápido también ayudó a construir el tema y la energía de ilustrar a los jóvenes, inquietos y vivaces. El hermoso canon en forma de Whiteside y el contraste de niveles para promover esa sensación dinámica.
Un memorable trío de bailarinas en particular ofreció estos elementos, con una media vuelta (pierna extendida 45 grados hacia arriba y hacia adelante) bailada por los tres en tres cargos separados, y luego una pose agradable mantenida durante algunos cargos con ellos en bajo, medio, y niveles altos. El gesto también trajo una sensación de unidad, las bailarinas tomadas de la mano mientras ejecutaban arabescos de piqué bajo, y juntas cruzaban las muñecas de los brazos en la quinta parte.
También se construyeron en diferentes puntos diferentes estados de ánimo, desde las cualidades de la música, el movimiento y la teatralidad de los bailarines. El solo de una bailarina ofreció un poco más de coraje y descaro de lo que el trabajo había ofrecido anteriormente. Un trío con dos bailarines y una bailarina era más suave y un poco más contemplativo. Tres bailarines subieron al escenario para exhibir su valentía y poderosa confianza. Todos estos diferentes estados de ánimo y puntos de vista crearon una ventana a las diferentes formas en que las personas pueden estar dentro de sí mismas y juntas, moviéndose en el espacio. Para terminar, un grupo más grande se reunió en forma circular, evocando el buen funcionamiento de un sistema armonioso incluso con todas estas formas de ser individuales y colectivas separadas: pasado, presente y futuro. Todo se sintió esperanzador y edificante.
El trabajo de Jessica Lang, Azul jardín , seguido. De muchas maneras, estéticamente, enérgicamente, conceptualmente, se sintió como una pintura de Salvador Dalí que cobra vida en la danza. Parte de ABT's Women's Moverse ment, un programa para nutrir a las coreólogas emergentes, el trabajo se estrenó el 19 de octubre de 2018. Lo primero que me llamó la atención fueron las formas alargadas que descansaban en el escenario y volaban por encima de mi cabeza (diseño de escenografía de Sarah Crowner). Algo de estos me habló de los relojes que se derriten en la obra icónica de Dalí. El telón de fondo en verde, azul y blanco me habló de la naturaleza.
Los bailarines usaban unitards de todos los colores diferentes, lo que ayudaba a construir una paleta de colores multifacética, un arcoíris bailaba por el escenario en secciones de grupos más grandes con bailarines repartidos a través de él. Se movieron a través del espacio, caminando a diferentes velocidades. Luego comenzaron a moverse con una estilización más técnica, en el vocabulario de movimiento clásico, pero con cambios melosos, 'ooyey-gooey' a través del torso que recuerdan un idioma de movimiento más contemporáneo.
Al ver este movimiento, pensé en los trazos curvilíneos de la pintura contemporánea. A las formas descentradas se les trajo una asimetría intrigante. Las extensiones de brazos y piernas logran acentos musicales de formas tentadoras. Los brazos golpean la mitad y hacia arriba junto con las notas musicales. Una bailarina hace girar a su compañera sentada, con los dedos de los pies levantados, mientras toca una nota más larga.
Ya sea todos al unísono o en grupos más pequeños al unísono, los bailarines mantuvieron la imagen del escenario en movimiento de manera dinámica.
Parte de esta acción dinámica fue también cómo los bailarines movían esas piezas alargadas de vez en cuando, creando un nuevo diseño de escenografía y, en consecuencia, una nueva sensación visual y enérgica. Otra parte de la acción dinámica aquí fue cómo el tiempo y la calidad cambiarían junto con los cambios tonales y temporales en la música.
Dentro de estos cambios, los bailarines comenzaron a adquirir personalidad y convertirse en sus propios personajes. Comenzaron a desarrollarse pequeños momentos teatrales. Uno de estos bailarines vestía de blanco y de otros colores, lo que me indicó una integración de las cualidades de estos otros personajes. Aunque hubo momentos de tensión que lo condujeron, el final trajo armonía y unidad dentro del grupo: la integración de este personaje se desarrolló en el tiempo y el espacio. Los paralelismos estéticos, enérgicos y estéticos con el trabajo de Dalí vincularon el trabajo a una era moderna posterior a las guerras mundiales para mí, pero algunos aspectos de ella fueron indudablemente atemporales. Esa cualidad temporal específica, pero fluida, me parece que es una cualidad de gran especificidad artística la hace real, y la fluidez hace que se sienta más universalmente aplicable.
De Gemma Bond Un tiempo hubo nos trajo de regreso a la Edad Media, pero si tuviéramos que mirarlo a través de cristales tintados modernos. Los trajes eran en tonos tierra, con un estilo medieval pero con toques contemporáneos. La iluminación tenía un tono terroso a juego, como la luz del atardecer de otoño. La partitura de Benjamin Britten se hizo eco de los ritmos y tonos que asociamos con la época medieval, como la armonía de un clavicémbalo, pero el modernismo se asomó en ciertas inflexiones atonales y elementos similares más contemporáneos.
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Cassandra Trenary y Cory Stearns en 'A Time There Was' de Gemma Bond. Foto de Rosalie O'Connor.
Como en las dos obras anteriores, los cambios en las cualidades energéticas y estéticas moldearon la atmósfera y el estado de ánimo, con claridad e intriga. Por ejemplo, una gran apertura dramática se disolvió en algo más suave como la sensación de una secuencia de agrupaciones más pequeñas. Los personajes comenzaron a desarrollarse a través de momentos teatrales, también como en la obra anterior. Gesture ayudó a crear estos momentos, mientras que un movimiento más técnicamente 'grande' y tradicional, como los ascensores expansivos que rodaban suavemente hacia el piso o aterrizaban en un arabesco bellamente levantado, mantenían la energía dinámica y la intriga visual.
Sin embargo, encontré este trabajo resonando menos conmigo que los dos trabajos anteriores. Quizás la especificidad en el tiempo en realidad restó mérito a mi experiencia al respecto, curiosamente quizás mi mente disfrutó llenando los espacios en blanco en lugar de darle el texto completo. Curiosamente, el final de Bond pareció ofrecer tiempo para tal contemplación en la interpretación personal de uno, los bailarines salieron, uno por uno, pero el escenario permaneció iluminado y el telón cayó.
¿Con qué podrían estar llenando nuestras mentes en el escenario en ese momento, coloreadas por nuestra perspectiva sobre lo que acababa de suceder allí? ¿Cómo podrían relacionarse esas perspectivas con lo que imaginamos de los personajes que acabamos de conocer, y cuánto con nosotros mismos, y los puntos en común entre los dos? Bailar en el espacio, en el tiempo (pasado, presente y futuro) puede llevarnos a reflexionar, a menudo sobre las mismas cosas que nos hacen humanos. El programa de ABT de esta noche hizo que esta verdad fuera innegable.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
