Eran Bugge, Robert Kleinendorst y Laura Halzack en 'Airs'. Foto de Paul B. Goode. Teatro David H. Koch, Nueva York, NY.
7 de noviembre de 2019.
A medida que los humanos evolucionaron, se movieron juntos para alabar a los espíritus, aquellos que traían salud y enfermedad, abundancia o escasez, clima bueno o desastroso. Aparte de cómo la religión formalizada también evolucionó a medida que la historia avanzaba, continuamos moviéndonos para expresar, protestar, mostrar gratitud y más. Descubrimos, consciente o conscientemente, el poder del movimiento para expresar nuestra espiritualidad, el mismo espíritu que se encuentra dentro de nuestros huesos, músculos y tendones. Al ver el programa de Paul Taylor American Modern Dance en el Lincoln Center, pensé en esta espiritualidad dentro del movimiento, había algo trascendente e incluso divino en cómo la compañía se movía, juntos y separados. Algunas obras contaban una narrativa humana más directa que otras, sin embargo, todas reflejaban nuestra capacidad para elevarnos, llegar más alto y avanzar hacia la armonía.
finales divisionales del mundo de la danza 2018
El programa se abrió con Paul Taylor's Aires , un trabajo que me dejó con una sensación de paz y tranquilidad. Una sensación de tranquilidad estuvo presente desde el principio. Los azules en la iluminación (de Jennifer Tipton) y el vestuario (de Gene Moore) me hicieron respirar más fácilmente. Las formaciones eran geométricas y uniformes. El movimiento de líneas clásicas pero una liberación suave trajo armonía estética. La partitura, obras de Handel, ofreció un marco auditivo tranquilo, pero matizado e intrigante para estos elementos. Un motivo de brazos que se extendían en forma de 'V' creaba una sensación de alcanzar los cielos, además de reflejar las formas curvilíneas de la naturaleza. Esta forma llegó en saltos virtuosos. saltos y juego de pies: brindan nuevas posibilidades de movimiento en combinación con un elemento calmante y de conexión a tierra.
Eran Bugge en 'Airs'. Foto de Paul B. Goode.
Los bailarines inclinaron sus torsos hacia un lado y apilaron su columna hacia el otro lado del escenario después de girar. Repitieron este vocabulario de movimiento a un nuevo frente, agregando nuevos matices, reforzando esa cualidad de familiar con lo fresco y nuevo salpicado. El movimiento virtuoso tenía una suavidad que hacía que estos técnicos aparentemente sobrehumanos frente a nosotros en el escenario se sintieran más humanos. Aunque el trabajo fue en gran parte no narrativo, pequeños momentos teatrales y humorísticos humanizaron aún más a los bailarines. Todo parecía digerible y accesible, incluso con el movimiento que traía una complejidad que reflejaba la naturaleza multifacética del espíritu humano.
También era multifacético, pero accesible, cómo el movimiento se relacionaba con la música, a veces de acuerdo, a veces en oposición. Un ejemplo memorable de esto último fue el triplete de los bailarines (un patrón de tres pasos, cambiando niveles y ritmos) el doble de la velocidad de la música que acompaña al movimiento, mientras que en otras ocasiones se movían a la misma velocidad de la música. Estas variaciones en la relación de la música y el movimiento a lo largo de la obra establecieron una musicalidad desafiante, pero los bailarines la ejecutaron sin fallas notables. Para terminar, los bailarines se unieron en una formación agrupada en el centro del escenario, mirando hacia adelante con una claridad de convicción y valentía. Parecían afirmar una fuerza que radicaba en su unidad: fuertes solos, pero mucho más fuertes juntos en armonía.
El segundo trabajo, de Margie Gilis Rewilding (2019), trajo un cambio notable en el estado de ánimo, la atmósfera y la estética. Los bailarines entraron y caminaron lentamente en filas, dando una sensación de uniformidad y rutina. La iluminación en tonos tierra fue baja (también de Tipton). Los trajes eran de diferentes colores para diferentes bailarines, pero todos también en tonos tierra (por Santo Loquasto). Los tonos profundos de la música, en combinación con este movimiento rutinario, crearon un estado de ánimo sombrío. Uno por uno, los bailarines comenzaron a moverse a su manera, rompiendo ese movimiento al unísono bastante ordenado, hasta que todos estuvieron bailando su propio vocabulario de movimiento. Este movimiento tenía una convicción, pero una ligereza y facilidad que no se ven en el movimiento grupal.
Paul Taylor Dance Company en 'Rewilding' de Margie Gillis. Foto de Whitney Browne.
Me preguntaba sobre el equilibrio de moverse juntos, pero como individuos. Como es muy común en este mundo, este grupo no estaba encontrando eso. El grupo retrocedió en un camino circular, recreando una sensación de igualdad y monotonía. Era como si estos individuos buscaran la originalidad, pero de alguna manera se vieron obligados a volver a actuar junto con el grupo. Volviendo a los motivos de movimiento de antes en la obra, así como a las repeticiones de tal disolución y recuperación, reforzó ese tema de ser obligado a volver a la acción y los modos del grupo. Los solos y los duetos nos llevaron más a la experiencia individual, en contraste con la sección grupal. Los saltos que se movían por el escenario mostraban libertad y posibilidad. Pronto, en una sección grupal, los bailarines temblaron como si estuvieran en extrema agitación, otro marcado contraste. Claramente, la conformidad del grupo no trajo alegría ni facilidad.
Para terminar, la mayoría del grupo se instaló en formación, pero un bailarín se marchó. Pensé en la conciencia individual y grupal y en la tensión que puede surgir entre esas dos cosas. “No necesitamos abandonar la tecnología, sino tejerla con sabiduría experiencial. Reconstruyendo la forma en que vivimos ”, afirma el programa. No debemos abandonar las conexiones que ofrece la tecnología, pero también regresar a nuestra propia sabiduría interior fue el mensaje que encontré dentro del trabajo que resonó conmigo. Me pareció que este mensaje hablaba de la espiritualidad humana, que la obra expresaba hábilmente en movimiento y diseño.
Martes negro cerró el programa, coreografiado por Taylor y estrenado en 2019. El título hace referencia al día de 1929, cuando el mercado de valores se desplomó de manera tan significativa que inició la Gran Depresión de la década de 1930. Esta especificidad continuaría a través de la obra, atmosféricamente y en la teatralidad del movimiento. Sin embargo, también había universalidad, hablando atemporalmente de aspectos de la condición humana, una espiritualidad propia. Un horizonte de la ciudad llenó el telón de fondo cuando comenzó el trabajo, con una iluminación tenue para ayudar a crear la atmósfera de la vida nocturna urbana (escenario diseñado por Loquasto). Un grupo se movió juntos, vestidos con ropa de la década de 1920, simple pero lo suficientemente detallada como para ayudarnos a introducirnos en un mundo de la década de 1920 (vestuario también diseñado por Loquasto). La música clásica de jazz moldeó y coloreó aún más este mundo. Yo estaba en eso.
Laura Halzack y George Smallwood en 'Black Tuesday'. Foto de Paul B. Goode.
Allí, los bailarines se movían en esos grupos con claridad formal pero también con la sensación de tranquilidad y diversión que se encuentra en los clubes de jazz de antaño. Los gestos construyeron una sensación de alegría. En el estilo típico del movimiento de Taylor, las líneas clásicas y las pizcas de virtuosismo se suavizaron y suavizaron para que se sintieran más arraigadas y humanas. Todo se sentía agradablemente auténtico. Próximamente, los dúos y solos nos enfocaron desde la experiencia colectiva hasta la de los individuos. Grupos más grandes y un grupo de duetos nos devolvieron a la experiencia colectiva, pero con esa experiencia más individual todavía en mi mente. Se mantuvo el ambiente clásico de club de jazz.
Las formaciones y los cambios a nuevas formaciones también adquirieron una complejidad adicional. La consideración y la intencionalidad de la imagen hicieron que todo fuera digerible y satisfactorio. Por ejemplo, un círculo se abrió a una gran pirámide. El arco de vuelo en los ascensores reflejaba una estrella fugaz, que se conectaba con las estrellas que llegaban a llenar el telón de fondo, una que representaba un cielo nocturno. Pensé en esos videos clásicos de natación sincronizada, grandes grupos en formaciones en movimiento que creaban imágenes complejas, esos que de alguna manera aún permanecían claros e impresionantes. En otra referencia a un estilo de movimiento alternativo, una línea de patada reflejaba una danza de precisión. Un solo memorable hacia el final transmitió el patetismo de vivir dentro de la angustia económica de la década de 1920, pero sin sentirse abrumado.
El solista se movía con fuerza por diferentes niveles y lugares en el escenario, gesticulando con convicción y auténtica emoción, mientras la música que lo acompañaba pronunciaba “hermano, ¿puedes gastar un centavo?”. La canción contó poéticamente una historia desgarradora de la riqueza a la pobreza, del tipo que se repite en este mundo, agregando un elemento de atemporalidad a la acción escénica. Movimiento único y agradable, conceptos intrigantes, diseño experto: el programa lo ofreció todo para demostrar la espiritualidad, incluso la naturaleza divina, en el movimiento del cuerpo humano. A finales de agosto de 2018, Paul Taylor ya no ha estado con nosotros . Sin embargo, parece que la compañía que fundó, bajo el nuevo director artístico Michael Novak, continuará llevando a cabo su legado y misión, mientras sonríe complacido y orgulloso.
giras atlanta 2015
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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